Paris – Vous partez à travers des boules noires profondes, rampez sous d’énormes ballons flottants et montez des sculptures colorées qui rappellent les paysages de rêve amorphes. Art évasé conçu par des stars internationales telles que Philippe Parreno, Sun Yitian, Rafael Lozano-Hemmer et Paola Pivi.
Art avec effet de masse
Le Balloon Museum est en tournée dans le monde avec diverses expositions depuis 2021 et fait des agressions. Selon les organisateurs, plus de sept millions de personnes ont maintenant été inspirées par les installations interactives et gonflables. À Paris, le dernier spectacle « Euphoria: Art Is in Story » peut être vu dans le Grand Palais récemment rénové sur environ 4000 mètres carrés. L’exposition a attiré environ 200 000 visiteurs au cours des cinq premières semaines.
Jusqu’à présent, quatre vues différentes sont cachées derrière le terme musée du ballon, chacun avec son propre titre, sa propre dramaturgie et ses artistes changeants. En Allemagne, ils ont attiré jusqu’à sept visiteurs à Berlin et Düsseldorf.
Nouvelle forme d’expression innovante?
Le Balloon Museum a apporté l’art directement au public, a expliqué le conservateur Valentino Catricalà, le succès du concept de DPA. Les œuvres sont consciemment conçues « pour toucher et prendre des photos ». Pour Catricicà, le projet est également une forme d’expression innovante et une expérience multi-réparties: parfois un plaisir pur, parfois une approche expérimentale de l’art et des formes gonflables – et toujours aussi une réflexion sur la société d’aujourd’hui.
L’art gonflable peut difficilement être pressé en catégories classiques. Elle change entre la pop et la poésie, le spectacle et la déclaration sociale – par exemple sur la culture de consommation ou l’ego numérique.
Pour Catricalà, il y a une opportunité: pour lui, cette forme d’art atteint des gens qui, autrement, ne se perdent pas dans le musée. Elle réduit le seuil – cependant, la question soulève également la question: est-ce toujours de l’art? Ou juste une expérience de puits?
Obtenez des expériences immersives
En plus des installations gonflables, les expositions immersives du monde entier. Les œuvres de Great Masters telles que Klimt, Van Gogh ou Picasso sont projetées avec les tailles, les sols et les plafonds, accompagnées de musique et d’animations.
Des formats bien connus tels que « Van Gogh: l’expérience immersive », « Klimt: l’expérience immersive » ou l’atelier parisien des Lumières « attire des millions de personnes. « Frida Kahlo Immersive » ou « Dalí Alive » tourne désormais à travers de nombreuses villes, de New York à Tokyo. Les expositions se comprennent comme une «immersion» dans les œuvres d’art, souvent avec des projections spectaculaires à 360 degrés.
Disneyfection des musées?
Tous ne voient pas dans cet art – que ce soit la sculpture gonflable ou l’installation immersive – un jeu avec forme, espace et couleur. Alors que les conservateurs comme Valentino Catricicà reconnaissent un support innovant qui rend l’art expérimenté et accessible, les critiques mettent en garde contre un changement progressif: de l’expérience artistique contemplative à l’événement avec une garantie Instagram.
Dans ce contexte, le directeur culturel Pierre Balloffet dans son article spécialisé « du musée au parc d’attractions » parle d’une « disneyfication » des musées – une tendance dans laquelle le spectacle, l’expérience et le commerce déplacent de plus en plus la profondeur du contenu.
Le théoricien culturel français Jean Baudrillard décrit dans son travail « Simulacres et simulation » de la même manière que l’expression d’une nouvelle « hyperreak ». L’objectif n’est plus l’objectif de l’œuvre elle-même, mais seulement sa couverture médicalement utilisable.
Ou l’art à l’ère de l’immédiateté?
Juste la vanité et le kitsch filtrants? Pas pour le scientifique culturel Ilan Stavans. Il a depuis longtemps vu une forme d’art sérieuse dans le selfie – la continuation moderne de l’auto-portrait classique. Dans son livre « I Love My Selfie », il explique que les selfies ne sont pas un signe de décomposition culturelle, mais les auto-portraits démocratisés qui réapparaissent notre compréhension de l’identité. Aujourd’hui, cette identité ne vit plus sur toile, mais numériquement en pixels.
Des artistes comme Amalia Ulman et Arvida Byström ont fait du selfie un outil de réflexion sociale. Avec ses performances Instagram, l’Argentine et le Suédois jettent un regard critique sur les questions d’identité, d’authenticité et d’idéaux de beauté. Les œuvres d’Ulman ont été présentées dans The Tate Modern à Londres en 2016.
Counter Mouvement: le retour au silence
Alors que l’art selfie et les productions immersives créent de nouvelles approches de l’art, la résistance est également formée. Le mouvement « Slow Art » se débat contre la distraction des médias numériques et le multitâche dans le musée et exhorte moins d’œuvres à regarder plus et plus consciemment, sans aucun téléphone portable. Votre objectif: montrer que l’art est non seulement un spectacle visuel au 21e siècle, mais offre également un espace pour une réflexion silencieuse.
